Temporal Paradox

Anomalias históricas, exercícios nostálgicos, uma forma de capitalizar um nicho de mercado orfão ou, muito simplesmente, o corolário da soma cumulativa da experiência psicadélica, são algumas das possibilidades interpretativas do trabalho de nick nicely, The Dukes Of Stratosphear e The Fraternal Order Of The All durante os anos 80 e 90 do século passado.

Lista de paradoxos temporais abordados no Laboratório Chimico de 13 de Maio de 2010:

Al Kooper & Stephen Stills - "Season Of The Witch" (Super Session)

nick nicely - "DC Dreams" (DCT Dreams)

nick nicely - "49 Cigars" (Hilly Fields)

The Dukes Of Stratosphear - "My Love Explodes" (25 O'Clock)

The Dukes Of Stratosphear - "The Mole From The Ministry" (25 O'Clock)

The Dukes Of Stratosphear - "You're My Drug" (Chips From The Chocolate Fireball)

The Dukes Of Stratosphear - "Brainiac's Daughter" (Psonic Psunspot)

The Fraternal Order Of The All - "Time Is Standing Still" (Greetings From Planet Love)

The Fraternal Order Of The All - "Love Tonight" (Greetings From Planet Love)

nick nicely - "On The Beach" (Psychotropia)

nick nicely - "1923" (Psychotropia)

Entre o espaço sideral e o espaço mental

O cosmos infinito permaneceu, ao longo dos tempos, uma influência maior na criação musical, como pudemos atestar nas duas emissões dedicadas a esta temática. Contudo, com o advento e massificação das substâncias alucinogéneas opera-se uma mudança radical na relação entre ambos. Assim, ao invés de almejar uma viagem por territórios alienígenas através do som, o bombardeamento sensorial operado pelo psicadelismo concretizava-se numa viagem por um outro espaço, igualmente infinito: o espaço mental. O enfoque estilístico altera-se igualmente, com a adopção do rock como língua franca.

A banda sonora foi a seguinte:

Lothar and The Hand People - "Space Hymn" (Space Hymn)
The Tornados - "Telstar" (Telstar/Jungle Fever)
The Blue Men - "I Hear A New World" (I Hear A New World: An Outer Space Music Fantasy By Joe Meek)
The Blue Men - "Magnetic Field" (I Hear A New World: An Outer Space Music Fantasy By Joe Meek)
The Jimi Hendrix Experience - "Third Stone From The Sun" (Are You Experienced)
The Jimi Hendrix Experience - "Exp" (Axis: Bold As Love)
The Jimi Hendrix Experience - "Up From The Skies" (Axis: Bold As Love)
Pink Floyd - "Astronomy Domine" (The Piper At The Gates Of Dawn)
Hawkwind - "Master Of The Universe" (In Search Of Space)

Psychedelic wormhole (2001: A space odyssey) 1968

Um buraco-de-verme (ou wormhole na língua que cunhou o termo pela primeira vez) é uma figura hipotética na topologia do sistema espaço-tempo acerca da qual a física teórica pós-einsteineana tem especulado e de que a ficção-científica se tem servido desde os meados do século XX. Muito grosseiramente, trata-se de um atalho através do espaço e do tempo que ligaria dois lugares distintos e não contíguos numa geometria não-euclideana, como se se tratasse de uma garganta ligando duas bocas abertas sobre dois momentos e locais distintos. Deste modo alimentou as narrativas que imaginaram o encontro ou mesmo a construção artificial desses buracos e a consequente possibilidade de viajar não só no espaço sideral como através do tempo cósmico. Mas, ainda que a concepção deste dispositivo topológico seja matematicamente possível e resolva eficazmente uma série de problemas abertos pela relatividade geral, muitos astrofísicos recusam a possibilidade de viagens no tempo, na medida em que a extrema instabilidade dessas estruturas provocaria a sua extinção no preciso momento em que um objecto entrasse num desses buracos. Não obstante, as actuais experiências no acelerador de partículas do CERN deram azo à especulação sobre uma eventual demonstração experimental da sua existência a uma escala quântica.
Visualmente, porém, a melhor ilustração do fenómeno poderá encontrar-se na sequência que ficou conhecida como “Star Gate”, no filme de 1968 de Stanley Kubrick, 2001: Odisseia no Espaço. O astronauta David Bowman, criado incialmente pelo escritor Arthur C. Clarke, ao aproximar-se de um monólito na órbita de Júpiter vê-se absorvido, a uma velocidade superior à da luz, por um túnel multi-colorido que distorce os limites da percepção do espaço e do tempo e o arrasta numa viagem, ao mesmo tempo, maravilhosa e aterradora para uma outra dimensão cósmica e existencial. As magníficas imagens do corredor hiperespacial foram criadas por uma técnica já utilizada por John Whitney em “Catalog” de 1961 e adaptada para o grande formato de 2001 por Douglas Trumbull: a técnica do “slit-scan”, que implica o intercalamento de uma película móvel estrategicamente fendida, entre a câmara, também ela móvel, e o objecto filmado, neste caso painéis de vidro pintado. O resultado final é o de uma trip psicadélica inesquecível que culmina no encontro do astronauta com o seu próprio processo de envelhecimento, numa surrealista câmara mobilada ao estilo Luís XV, e à visão da sua própria morte. O reaparecimento do monólito aos seus pés permite uma transformação redentora de Dave num feto envolvido por uma esfera de luz que entra na órbita do planeta terra, simbolizando eventualmente o novo patamar da inteligência. Tudo isto ressoa às experiências enteogénicas tantas vezes relatadas pelos gurus da cultura dos psicotrópicos alucinogénios e, tendo em conta, a época do filme, reflectiria com certeza as aspirações de uma geração.



A sequência “Star Gate” é acompanhada por uma banda sonora também ela extraordinária e que consiste numa mistura de três obras do compositor húngaro György Ligeti: Requiem para soprano, mezzo-soprano, dois coros mistos e orquestra; Atmosphères, uma obra de 1961 para orquestra completa; e ainda Aventures, de 1962, para 3 vozes e 7 instrumentos, ligeiramente alterada para a banda sonora do filme.

L’Amérique hypnagogique de Baudrillard

“Aproximar outro universo, outro tempo, outro mundo. Receber as imagens de uma utopia estranha que, incessantemente, oscila entre sonho e realidade.” Assim é descrita a experiência da leitura de “L’Amérique” de Jean Baudrillard, na contra-capa da sua edição francesa. E, com efeito, ler este livro é como viajar, através de uma estética do fascínio, da sideração e da alucinação conceptual do semiólogo francês, por uma paisagem heterotópica e hipnagógica da América, simulada, como num mapa inventado por Borges à escala 1:1, pela semiose auto-imune de Baudrillard, onde o referente desaparece por detrás da aglutinação entre o significado e o significante.

É o próprio que se refere à sua experiência deste modo: “A América não é nem um sonho, nem uma realidade, é uma hiperrealidade. É uma hiperrealidade porque é uma utopia que desde o início foi assumida como realizada. Tudo aí é real, pragmático, e tudo nos torna sonhadores. Talvez a verdade da América apenas possa aparecer a um europeu, já que apenas ele encontra aí o simulacro perfeito, o da imanência e da transcrição material de todos os valores. Os americanos, eles, não têm nenhum sentido da simulação. Eles são a sua configuração perfeita, mas não têm a linguagem desta, na medida em que são eles o seu modelo.”
O livro editado em 1986, depois de uma viagem e estadia nos Estados Unidos, parece o registo escrito de um delírio hiper-lúcido, provocado pela sobre-estimulação sensorial e intelectual do sociólogo, exposto a uma visão estranhamente familiar de um país cuja memória antecede e antecipa a sua experiência possível, ao ponto de fazer com que a realidade pareça imitar a sua representação. Contemporâneo do crescimento exponencial da digitalização e mediatização do real, o país surge-lhe, então, assim: “A América é um gigantesco holograma, no sentido em que a informação total está contida em cada um dos seus elementos. Tome-se a mais pequena estação de serviço no deserto, ou uma qualquer rua de uma cidade do Middle West, um parque de estacionamento, uma casa californiana, um Burger King ou um Studebaker, e obtém-se toda a América, a sul, a norte, a este como a oeste. Holográfica no sentido da luz coerente do laser, homogeneidade dos elementos simples conduzidos pelos mesmos feixes. Do ponto de vista visual e também plástico: temos a impressão de que as coisas estão feitas de uma matéria irreal, que elas giram e se deslocam no vazio como por um efeito luminoso especial, uma película que atravessamos sem nos apercebermos.

Com certeza o deserto, mas Las Vegas, a publicidade, e também a actividade das pessoas, public relations, electrónica da vida quotidiana, tudo se recorta com a plasticidade e a simplicidade de um sinal luminoso. O holograma está próximo do fantasma, é um sonho tridimensional, e podemos nele entrar como num sonho. Tudo se prende com a existência do raio luminoso que transporta as coisas; se ele é interrompido, todos os efeitos se dispersam, e também a realidade. Ora, temos bem a impressão que a América é feita de uma comutação fantástica de elementos semelhantes, e que tudo se mantém apenas no fio de um raio luminoso, de um raio laser que conduz sob os nossos olhos a realidade americana. O espectral aqui não é o fantasmal ou a dança dos espectros, é o espectro da dispersão da luz.”

Escrita, assim, no limiar entre uma descrição alucinada de quem ainda não saiu verdadeiramente da “viagem” – real ou sonhada – e a flutuação conceptual de quem já desliza na superfície de uma banda de Moebius feita de néon fluorescente, como o surfista de uma topologia pós-euclidiana, a América de Baudrillard é a perspectiva psicadélica da modernidade instalada no décimo terceiro piso inacabado da pirâmide na nota do dollar americano. Vanishing point…
“Highway” foi o nome da peça de Noah Creshevsky que acompanhou o fundo desta crónica, e “Strategic Defense Initiative” (composta em 1986) a que escutámos logo de seguida. Elas representam aquilo a que o compositor americano chamou de “hiper-realismo musical”, ou seja, “uma linguagem electro-acústica construída com sons encontrados num ambiente partilhado, manipuladas de forma exagerada ou intensa”.

Broadcast & The Focus Group & Boards Of Canada

Assombrologia

"Hauntology", neologismo criado por Jacques Derrida em 1993 na obra "Spectres Of Marx", expressa uma ideia filosófica da relação entre passado e presente, agregando as palavras "Haunt" e "Ontology", referindo-se à qualidade paradoxal do espectro, que nem existe nem deixa de existir. Este termo foi apropriado por Simon Reynolds num artigo de Novembro de 2006 da revista Wire para descrever um estilo retrofuturista, com laivos de esoterismo e paganismo, que fazem dos espectros da Grã-Bretanha do passado recente os seus melhores amigos. Resumidamente, podemos identificar dois eixos desta música assombrada. Um eixo vertical, que percorre os anos para alcançar as raízes deste género, em grupos como Broadcast e Boards Of Canada, e um eixo horizontal, que agrega as suas manifestações contemporâneas e que pode ser decomposto em três partes: a editora Ghost Box, os esforços individuais de Mordant Music e The Caretaker, e a editora Trunk Records.

Broadcast - "Test Area" (Future Crayon)
Boards Of Canada - "Telephasic Workshop" (Music Has The Right To Children)
Boards Of Canada - "A is to B as B is to C" (Geogaddi)
Belbury Poly - "Scarlet Ceremony" (The Owl's Map)
The Focus Group - "Through The Green Lens" (We Are All Pan's People)
Eric Zann - "Dols" (Ouroborindra)
The Advisory Circle - "Farmland, Freeland" (Other Channels)
Mount Vernon Arts Labs - "Dashwoods Reverie" (The Séance At Hobs Lane)
Mordant Music - "Hey Volte-Face" (Symptoms)
The Caretaker - "Lacunar Amnesia" (Persistent Repetition Of Phrases)
Vernon Elliot - "A Clangers Opera, Act One" (The Clangers)
Jonny Trunk - "How Sweet It Is" (Scrapbook)
Broadcast and The Focus Group - "The Be Colony" (Broadcast and The Focus Group Investigate The Witch Cults Of The Radio Age)

Suave Cosmos: Easy-Listening From Outer Space

Se as raízes da Space Music podem ser traçadas até ao séc. XVIII, a verdadeira explosão do género ocorreu imediatamente no período após a segunda grande guerra, com o pano de fundo da corrida ao espaço protagonizada pelos dois grandes blocos mundiais, sob a égide das possibilidades antevistas nos foguetões do Prof. Von Braun - os famigerados V-2 - que durante o conflito espalharam o terror e a morte, mas que podiam agora transportar a humanidade a outras paragens no grande infinito.

O bombardeamento perceptivo que assolou o mundo, com estereofonia e televisão acompanhando de perto todas as evoluções da corrida mais louca para outro mundo, traduziu-se em angústia, a qual foi posteriormente transformada em criações musicais pelas mentes mais desenvoltas. Em 1947, os Buchanan Brothers associavam o avistamento dos famosos discos voadores à eminência do apocalipse nuclear e das ogivas transportadas por foguetões, num 45'' intitulado "(When You See) Those Flying Saucers". Outras harmonizações, mais optimistas, emergiram, como por exemplo "Music Out Of The Moon" de Les Baxter, um disco pontuado pelo Theremin, obscuro e fascinante instrumento proveniente do outro lado da cortina de ferro. Afinal não eram apenas armas de destruição maciça que cruzavam os céus. Rezam as crónicas que Neil Armstrong insistiu em transportar este registo consigo na missão espacial Apolo 11.

Em 1955, Jackie Gleason, grande entusiasta da mitologia UFO, lança o álbum "Lonesome Echo", o qual envergava uma capa desenhada pelo grande explorador do espaço inconsciente, Salvador Dali, que evocava espaço, angústia e solidão. Estava encontrada a musa inspiradora perfeita para o cruzamento do easy-listening com as influências cósmicas, aquela que foi ignorada por Narciso, definhando até ao ponto que só a sua voz existia, condenada para toda a eternidade a repetir as últimas palavras das frases que ouvia: Eco. O eco é a reflexão do som e este reflexo implica, de alguma maneira, um espaço físico, que era agora mimetizado pelo som estéreo. Designações como Living Stereo Series da RCA, Full Frequency Range Recording da Decca, Full Dimensional Stereo da Columbia, Visual Sound Stereo da Columbia e Living Presence Series da Mercury passaram a adornar as capas dos discos, prometendo uma viagem por outros mundos através da simulação de espaço no som.

O eco implica igualmente uma repetição, a qual é metaforizada nas inúmeras versões de "Stella By Starlight" que encontramos nestes vinis. Arthur Ferrante e Louis Teicher fizeram amplo uso do estéreo em "Blast Off!" de 1956, priveligiando pianos preparados, e antecipando assim a emergência dos sintetizadores como forma de produzir sons estranhos e bizarros que evocassem um sentimento extraterresterial. Franck Comstock, Dick Hyman, The Ames Brothers e Juan Garcia Esquivel, todos eles traçaram igualmente este caminho experimental, aliando inovação tecnológica com melodias easy listening, catapultando o modesto habitante dos subúrbios para a Lua, Marte e Vénus, Saturno e Urano. Esta maravilhosa viagem teve, contudo, o seu fim com a emergência do rock psicadélico associada a uma outra forma de viajar pelo cosmos conseguida através da ingestão de substâncias alucinógeneas.

Foi este o plano de viagem pelo Laboratório Chimico a propósito desta temática:
Victor Young & Orchestra - "Stella By Starlight" (Love Letters)

Miles Davis - "Stella By Starlight" (1958 Miles)

The Georgia Catamounts and The Buchanan Brothers - "(When You See) Those Flying Saucers" (Brain In a Box)

Les Baxter - "Lunar Rhapsody" (Music Out Of The Moon)

Les Baxter - "Moon Moods" (Music Out Of The Moon)

Ferrante & Teicher - "How High The Moon" (Blast Off!)

Ferrante & Teicher - "Beyond The Blue Horizon" (Blast Off!)

Frank Comstock - "Out Of This World" (Project Comstock: Music From Outer Space)

Frank Comstock - "Stella By Starlight" (Project Comstock: Music From Outer Space)

Dick Hyman - "Maid Of The Moon" (Moon Gas)

Dick Hyman - "Stella By Starlight" (Moon Gas)

Jackie Gleason - "I Wished On The Moon" (Lonesome Echo)

The Ames Brothers - "Destination Moon" (Destination Moon)

Juan Garcia Esquivel - "April In Portugal" (Other Worlds, Other Sounds)

Les Baxter - "Shooting Star" (Space Escapade)

Um repositório de memórias: a Pop Hipnagógica

Memórias, memórias de memórias, pseudo-memórias. Talvez nunca como hoje o underground musical norte-americano tenha lançado, tão descaradamente, o olhar, a mente e o corpo para os anos 80 do século passado. E, ao fazê-lo, resgatam a artificialidade hiper-real da cultura popular dessa década, criando uma música difusa, espectral, alucinada.

Hypnagogic Pop foi um termo cunhado recentemente pelo jornalista britânico David Keenan - que havia já estado por detrás de designações "novas", como a New Weird America. Keenan utiliza a expressão para descrever um conjunto mais ou menos heterogéneo de produções musicais, maioritariamente norte-americanas, cujas premissas assentam fundamentalmente na pop (mas não só), e que recuam à década de 80 - na qual os seus intérpretes terão nascido - para lhe irem buscar inspiração. Nomes como os The Skaters e alguns dos pseudónimos individuais dos membros do dúo, James Ferraro e Spencer Clark, como Lamborghini Crystal ou Balck Jocker, respectivamente, Ariel Pink, Sun Araw, Nite Jewel, Tickley Feather, Rangers, Gary War ou Ducktails, regurgitam fidedignamente o imaginário dos anos 80, transfigurando o real recorrendo ao do it yourself que sublima a nostalgia dormente e o desejo de partir.

A hipnagogia, ou as alucinações hipnagógicas, designam os estados que caracterizam o limbo semi-consciente situado entre o sono e a vigília, sobretudo presentes no adormecimento, e onde micro-fenómenos alucinatórios do tipo visual, auditivo e por vezes táctil podem ocorrer. É esta recuperação semi-consciente centrada numa parcela específica do passado que dá o mote para a pop hipnagógica, embora seja certo que qualquer estimulação vivida é passível de ser hipnagogicamente recriada, e que inputs visuais e auditivos ocupam a linha da frente para a reconversão subliminar, e ainda que por via da sua contextualização com a auto-referência dos seus intérpretes, qualquer criação musical pode considerar-se hipnagógica. Adiante, olhando e escutando de perto o que Keenan diz, ressalta a proximidade semântica à hauntologia proposta por Simon Reynolds, substituindo o brittish flavour pelo american style. Centrando-nos nas manifestações concretas do produto sonoro, descortina-se um espectro demasiado amplo no seu alcance (estilístico e temporal), que, não obstante a compreensão para com o esforço (necessário?) em criar grelhas de interpretação que funcionem como âncoras rumo a uma navegação minimamante orientada em mentes em risco de saturação por anseios melómanos, acaba por colocar no mesmo saco uma miríade de projectos que, apesar de evocarem o psicadelismo sob o manto difuso da memória refractada, o fazem recorrendo a formas e conteúdos tão díspares como a celebração da cultura trash por via declaradamente psicotrópica (The Skaters e afins), as visões tropicais e paradisíacas de Ducktails ou Sun Araw, o tédio suburbano de Rangers e da Underwater Peoples e seus derivados, a desconstrução da canção pelo ruído (Ariel Pink, Gary War ou Zola Jesus), os festins ácidos de Predator Vision, Magic Lantern ou Antique Brthers, revisitações surf (Super Vacations, Real Estate ou Best Coast), ou através da reconversão da new age/kösmische como catalisador de viagens cósmicas de passageiros como Oneothrix Point Never, Infinity Window ou Emeralds.

Parece contudo incontornável que o underground norte-americano actual está a reinterprar o som de outra época. Muitas vezes com parcos meios e produção barata, o som com baixa fidelidade fetichiza o material com que por essa mesma altura as franjas sonoras mais extremas faziam valer-se - muitos dos registos são lançados em cassete, há uma saturação visual celebratória nos vídeos de alguns temas, e o artwork idolatra o preto-e-branco fotocopiado. A sonoridade distingue um miasma que reenquadra as marcas distintivas dos anos 80: a profundidade dos teclados, as linhas de baixo em slow motion, o ruído empoeirado da fita magnética e uma saturação estereofónica de efeitos, que recriam atmosferas fumarentas sob o sgno da bola de espelhos, ou simplesmente, os ritmos pós-modernos da vivêcia suburbana.

Há uma marca sintética vinda do mainstream, e cuja artificialidade se evidencia lado a lado com a nostalgia e com o desejo de epifanias suspensas pela latência infantil. O que resulta em magia displicente, entre o cool e o foleiro, desembocando num reconhecimento estranho.

MATRIX METALS "FLAMINGO BREEZE, PART 4" from OLDE ENGLISH SPELLING BEE on Vimeo.

Neste dia ouviu-se no Laboratorio Chimico:

Ducktails - Lundrunner (Landscapes, 2009)
Rangers - Bean Crick (Suburban Tours, 2010)
Lamborghini Crystal - Video Head Cleaner (Dial 747 Creepozoid, 2007)
James Ferraro - II (Clear, 2009)
Ariel Pink - Gettin' High in the Morning (House Arrest, 2006)
Gary War - See Right Through (Horribles PArade, 2009)
Sun Araw - Horse Steppin (Beach Head, 2008)
Rangers - Golden Triangle (Suburban Tours, 2010)
Crónica O Pulsar Ciclotímico do Amola-Tesouras - L'Amerique Hypnagogique de Baudrillard

Podcast brevemente.

Portuguese Psych Fest

O Laboratorio Chimico dedicou as emissões de 25 de Fevereiro e de 4 de Março a percorrer sons psicadélicos portugueses, desde os nuggets - as primeiras incursões de grupos nacionais pelo surf-rock , beat e garage na década de 1960 e primera metade da década de 1970 -, até alguns dos múltiplos projectos que desde há uns anos pululam pelos recantos mais marginais do underground nacional.

Começámos pelo presente e pelo destaque às músicas de expressão livre, periférica, que alguém apelidou de "um dos segredos mais bem guardados da costa oeste europeia". A denominação de "música exploratória portuguesa" pode ser uma herança do defunto "Atlantic Waves" de Miguel Santos, em Londres, mas a verdade é que esse cunho se mostra ao mesmo tempo lato e preciso para incluir tudo sem apontar trajectórias estanques. Tal parece ser o mote para que grupos como os Frango, Os Loosers, Tropa Macaca - este trio talvez a constituir a matriz nuclear a partir da qual a expansão criativa depois se consolidaria até outras coordenadas -, mas também Fish & Sheep (entretanto desmantelados), Gala Drop, Osso (e seus derivados), Branches, Sapiens Sapiens, Dopo ou One Might Add, entre outros, fossem emergindo, sensivelmente a partir do meio da década do novo milénio. Combinaram empreendorismo e energia criativa através de sinergias pessoais, associativas e comunitárias, cujos sinais mais evidentes são a desmultiplicação de alter-egos que permitem explorar diferentes abordagens, mas, igualmente, editoras e netlabels (casos da defunta Merzbau, a Searching Records, Ruby Red ou a Test Tube), associações como a Out-Ra (do Barreiro), a Filho Único ou a A9))) (de Leria), e também espaços que regularmente acolhem concertos (de que a ZdB, em Lisboa, e o Passos Manuel, no Porto, serão os mais emblemáticos), e eventos que começam a ter alguma visibilidade pela regularidade de boas propostas que trazem - o Out-Fest, no Barreiro, vai já num punhado de edições em que, aos nomes nacionais já referidos, se juntam inquestionáveis nomes vindos de outras paragens, casos dos The Skaters, Ducktails, Spectrum, William Basinsky, Chris Corsano, Wolf Eyes, Uton ou Whitehouse; por outro lado, são frequentes os contactos com músicos que actuam em Portugal e que potenciam colaborações futuras e parcerias em tournées (casos de Excepter, Acid Mothers Temple, Damo Suzuki, Valerio Cosi ou Mattew Valentine e Erika Edler). Na génese do som que apresentam está um espírito faça-você-mesmo que expande os territórios convencionais do rock ou pós-rock até (des)construções estilísticas por vezes difíceis de descortinar, mas que assentam na convicção de que a improvisação e o risco podem ser uma viagem de pendor altamente psicotrópico.

Mas o destaque à música psicadélica portuguesa levou-nos a recuar até à década de 1960. Tal como um pouco por todo o lado, os primeiros passos do rock português assentaram na replicação (e, nalguns casos, no decalque) de sons e ritmos estrangeiros que conseguiam furar a cortina isolacionista da ditadura. Nessa época os portugueses estariam mais sensibilizados ao fado e à música ligeira, e o débil mercado discográfico raramente contemplava nomes internacionais, exceptuando alguns títulos espanhóis e franceses. Mas foi o rock and roll anglo-saxónico que mais agitou os jovens músicos portugueses. A sua popularização terá começado no final da década de 50, quando chegavam vindos do outro lado do Atlântico alguns discos, trazidos sobretudo por marinheiros, enquanto que nos cafés lisboetas podia dançar-se ao som das jukebox com hits de Bill Haley and the Comets, Little Richard ou Elvis Presley. Por essa altura o panorama musical português entretinha-se com o fado e com a música ligeira, mas começavam a aparecer nomes como Joaquim Costa (aka "Elvis de Campolide"), José Manuel Silva (aka "Baby Rock"), Vitor Gomes, ou José Cid.

Com a explosão, jé em plena década de 60, dos fenómenos The Beatles, The Rolling Stones e The Beach Boys, distribuidoras multinacionais chegam a Portugal. A satruração do mercado discográfico e os bolsos vazios dos jovens portugueses fez com que emergissem várias bandas ávidas por mimetizar esse "novo som" e fazer versões de temas internacionais para animar bailes e concursos, que nalguns casos tornar-se-iam mais conhecidos que os próprios originais, com forte cunho beat, garage e surf rock, numa moda que se estendeu até às ex-colónias. O Quarteto 1111 terá sido o mais proeminente grupo rock português desta época, tendo visto o seu primeiro álbum censurado e retirado do mercado. À medida que os ouvidos portugueses eram invadidos por Led Zeppelin, Deep Purple ou Jimi Hendrix, e que alguma contestação face à situação socio-cultural do país se agitava, alguns grupos musicais ganharam maior acutilância, introduzindo laivos de experimetalismo e psicadélia nas suas produções, a par de maior consciencalização política. Este aspecto, contudo, não adquiriu as proporções de outras paragens, e nunca se concretizou num "movimento" sustentado, ficando a energia revolucionária de costumes e atitudes atrofiada na plácida designação de música "yé-yé". As sementes estavam lançadas, e já na década de 1970 surgem projectos conotados com o rock progressivo que trilham caminhos psicadélicos, casos de Petrus Castrus, Plexus, José Cid ou Evolução.

Mas das vagas de emigração a que Portugal assistiu havia de sair uma excitante experiência auditiva, destacada no Laboratorio Chimico, ainda que decerto poucos tenham sido os que em 1969 tiveram acesso ao disco em terras de Salazar e Caetano. António e Fernando Lameirinhas, irmãos nascidos no Porto e que cedo emigraram para a Bélgica e Holanda, fizeram carreira musical enquanto Move ou Jess & James, versando ritmos beat e garage, que lhes valeu alguma visibilidade. Mas foi com projecto de versão única intitulado The Free Pop Electronic Concept que entraram para o extenso rol de preciosidades psych que de tempos a tempos são desenterradas do esquecimento para deleite do melómano. Certamente influenciados pela vertigem provocada pela audição de discos que juntavam o hedonismo pop-rock com o crescente acesso às técnicas de estúdio na produção - incorporando-o enquanto instrumento -, casos dos norte-americanos Fifty Foot Hose ou United States of America, ou dos jerks electrónicos com que Pierre Henry inundava o rock de Michel Colombier em Messe Pour les Temps Presents, os irmãos Lameirnhas juntaram-se a Scott Bradford (teclados) e a Stu Martin (bateria) e, acima de tudo, ao compositor belga Arsenne Souffrian (o responsável pelos efeitos de electrónica), para gravarem A New Exciting Experience, originalmente lançado em 1969 na Pallete (Bélgica) e na Ace of Clubs (Canadá). O desregramento sensorial que a adição de electrónica proporciona à estrutura maioritariamente pop do disco, confere-lhe a sugestão lisérgica em toada festiva e celebratória, que se agita por entre a experimentação sónica avulsa. A New Exciting Experience foi reeditado em 2008 pelo selo catalão Wha Wha Records, depois de o mesmo ter acontecido na espanhola Belter e na italiana Durium.

A 25 de Fevereiro ouviu-se:

Os Loosers - At the Foot of the Sphinx (7 '' split com Owl Xounds, 2008)

Sapiens Sapiens - Antes Ratos (Seiva, split com Osso e Branches, 2007)

Frango - Amigo da Asa Branca (Nada Miles, 2008)

Tropa Macaca - Canos Serrados (Sensação do Princípio, 2010)

Gala Drop - Frog Scene (Gala Drop, 2008)

One Might Add - Beat Matters (Sailing Team, 2007)

Fish & Sheep - Keiji Haino Haircut (Double Banana, 2006)

Manuel Gião - Cinco (Cima, 2007)

Dead Hawaian - s/t (Dead Hawaian, 2009)

E a 4 de Março:
Portuguese Nuggets Vol. 1: A Trip to 60´s Portuguese Beat, Surf and Garage:
Tártaros - Tartaria
Quinteto Académico - Train
Daniel Bacelar - Tema dos Gentleman
Conjunto Ruy Manuel -Fuga
Qarteto 1111 - Bissaide
Portuguese Nuggets Vol. 2:
Tártaros - Oh! Rosa Arredonda a Saia
Os Ekos - O Espelho
Os Vodkas - San Francisco Girls
Psychedelic Portugal: Hard Psych and Progressive Sounds From Portugal Underground Scene 1968 - 1974):
José Cid - A Viagem
Petrus Castros - Batucada Vulgaris
Plexus - Paraíso Amanhã
The Free Pop Electonic Concept (A New Exciting Experience, 1969)
Chewing Gum Delirium
Cosmos Rhythms
Theme no 1

Podcasts brevemente.

The Deep Self (John C. Lilly)

Nos anos cinquenta, havia um certo número de neurofisiólogos (sobretudo dos que estudavam os fenómenos do sono, nomeadamente, Frédéric Bremer e Horace Magoun) que defendia que o cérebro humano apenas se mantém acordado devido aos estímulos incessantes do mundo exterior que lhe chegam através dos órgãos receptores do sistema nervoso periférico, ou seja, se cérebro deixasse de ser estimulado entraria num estado de adormecimento. John C. Lilly, um dos investigadores do National Institute of Mental Health, decidiu fazer uma experiência, em 1954, para falsificar a teoria daqueles cientistas, inventando um tanque de isolamento ou de privação sensorial onde o sujeito da experiência (na verdade ele próprio) ficava a flutuar em água isolado e com estímulos sensórios exteriores muito reduzidos. No início a experiência exigia o uso de máscaras e estratégias para que o corpo não se afundasse, mas mais tarde, começou a usar-se sulfato de magnésio ou sais de Epsom, tornando a solução aquosa densa o suficiente para manter os corpos a flutuar e com a cabeça à superfície, dispensando o uso de máscaras. Segundo o próprio inventor do dispositivo, a experiência provou que o cérebro se mantinha num estado de vigília, falsificando a teoria oposta, e que, para além disso e depois de se ultrapassarem os receios e preocupações iniciais, a flutuação num ambiente sem som, sem luz e quase sem gravidade, isto é, com um nível quase nulo de estimulação sensória, proporcionava estados alterados da consciência, viagens introspectivas de auto-descoberta, quase terapêuticas, onde a consciência apesar de se manter em controlo se deixava levar como que para fora do corpo e descobrir novas dimensões não exploradas da nossa inteligência, através de alucinações induzidas e conduzidas.


John C. Lilly era um médico que estudou inicialmente física e biologia no California Institute of Technology, depois, para além do curso de medicina, teve uma formação em psicanálise, dedicou-se à neurofisiologia, no já referido NIMH, à biofísica, à informática e inteligência artificial, inventando as teorias sobre o biocomputador humano e a auto-metaprogramação e iniciando nas Ilhas Virgens uma série de experiências de comunicação com golfinhos, focando-se, durante toda a sua vida, nas questões da consciência e do cérebro. Conheceu Timothy Leary e cedo ficou familiarizado com as experiências com psicotrópicos, mas apenas começou a experimentar o LSD – “pure Sandoz”, como chamavam ao LSD25 puro criado pelo famoso laboratório suíço – no início dos anos 60. Registou essas experiências com o ácido lisérgico dietilamida num livro famoso, editado em 1973, chamado The Center of the Cyclone – an autobiography of the inner space, onde um dos capítulos relata o uso de LSD em sessões de meditação no tanque de isolamento, durante o seu período nas Ilhas Virgens. Como era de esperar, os efeitos alucinogénios foram potenciados pela indução da substância psicotrópica, mas alegadamente, devido ao seu treino prévio, tanto na área da psicanálise como nas outras áreas científicas, as experiências produziram resultados muito generosos no domínio da auto-descoberta, mas também no do auto-conhecimento dos limites da consciência através do contacto real ou alucinado com entidades de inteligência superior. Interessado ainda pela filosofia oriental, muito em voga na época, estou yoga e relacionou essas experiências com estados místicos de meditação avançada, denominadamente, o Satori-Samadhi que ele alega ter atingido.



Para além da sua invenção do tanque de isolamento, a qual se tornou bastante popular e foi experimentada por personalidades de áreas muito diversas, desde o físico Richard Feynmann, o filósofo Gregory Bateson, Robert Anton Wilson, o artista Alejandro Jodorowsky até ao co-piloto de Timothy Leary nas experiências com LSD Ralph Metzner, John C. Lilly ficou muito associado com o seu trabalho com golfinhos e a esperança na comunicação futura com esses mamíferos marinhos. Escutámos durante a crónica um excerto de um disco editado em 1994 sob o título E.C.C.O., que significa Earth. Coincidence. Control. Office. e consiste numa mistura de gravações feitas pela Sound Photosynthesis em homenagem a John Lilly e à sua crença numa força invisível, numa entidade superior que controla as coincidências da vida quotidiana, a noosfera e a evolução humana. Este vídeo contém precisamente a voz de John C. Lilly incluída nesse projecto.

Connaissance par les gouffres (Henri Michaux)

No início desta crónica emitida no dia 11 de Março de 2010, ouviram-se as palavras ditas por Henri Michaux numa espécie de Preâmbulo ao filme “Images d’un Monde Visionnaire” de 1964, um filme educacional (para não dizer científico) sobre os efeitos alucinogénicos induzidos pela ingestão da mescalina e do haxixe num paciente, realizado por Henri Michaux e Eric Duvivier e produzido pelo laboratório farmacêutico suíço Sandoz – responsável pela síntese do LSD em 1938. O filme consiste numa sequência de imagens de vários tipos, manipuladas por diferentes dispositivos técnicos disponíveis na época, com vista a produzir efeitos visuais de alucinação, semelhantes aos que se vêem desfilar na mente de um sujeito submetido à acção daquelas substâncias psicotrópicas. Acompanhado pela música de Gilbert Amy e pela incidental intervenção da voz de Henri Michaux, o filme está dividido em duas partes, relativas respectivamente à influência da mescalina e do haxixe, acentuando as diferenças do tipo de visões induzidas por uma e por outra, apresentando as primeiras um carácter mais inefável e distorcido da percepção tradicional – alteração das formas, cores e dimensões, desmultiplicação da identidade dos objectos -; e as segundas correspondendo a uma sequência onírica de imagens sem aparente ligação lógica. Nesta segunda parte, o filme assemelha-se bastante a uma filme surrealista, estética a que Michaux não foi de modo nenhum alheio.



O escritor e pintor de origem belga havia na sua juventude começado a estudar medicina e sempre se interessara por escritos psiquiátricos relativos a experiências com doentes mentais. Sempre muito propenso a viajar e escrever diários de viagem, resolveu aos 55 anos empreender outro tipo de viagens e registar em texto e em desenho as suas experiências psicadélicas com a mescalina, o haxixe, a psilocibina e mesmo com o LSD. Estas experiências eram muito informadas pela leitura de tudo o que tinha conseguido arranjar sobre o assunto: para além dos estudos científicos, a leitura de Thomas de Quincey, Aldous Huxley ou Antonin Artaud determinou uma perspectiva poético-filosófica e médico-experimental das sessões de psicotrópicos, algumas acompanhadas por uma psiquiatra especialista na matéria (Dr. Ajuriaguerra) e por um amigo pintor (Bernard Saby). Dessas experiências com a mescalina, arrastadas por um período de dez anos, resultaram algumas das suas obras mais citadas Misérable Miracle (1956), L’infini Turbulent (1957), Connaissance par les Gouffres (1961) e Les Grandes Épreuves de l’Ésprit (1966). No prefácio ao primeiro livro sobre os efeitos da mescalina, Michaux descreve deste modo o acto de escrever sob o efeito da droga: “Lançadas vigorosamente aos solavancos, na e através da página, as frases interrompidas, com sílabas voadoras, desfiadas, arrancadas, mergulhavam, descaíam, faleciam, e os seus restos renasciam, ressaltavam, fugiam e voltavam a explodir. As suas letras acabavam em fumaça ou desapareciam aos ziguezagues. As seguintes, igualmente descontínuas, continuavam de igual modo a sua narrativa atribulada, como pássaros em pleno drama aos quais tesouras cortariam as asas em pleno voo. (…) Como dizer isto? Ser-me-ia necessária uma maneira acidentada que não possuo, feita de surpresas, interrupções sem pés nem cabeça, clichés de um instante, ressaltos e incidentes, um estilo instável, serpenteante e infantil…” Mas a dificuldade da tradução linguística da experiência ressalta ainda melhor, quando diz no próprio corpo do texto “… encontramo-nos, para o dizer definitivamente, numa situação tal que cinquenta onomatopeias diferentes, simultâneas, contraditórias e a cada meio-segundo modificadas seriam a sua mais exacta expressão.” Em L’infini Turbulent, por exemplo, a quase inefabilidade sacro-religiosa dali resultante, evocando um sentimento de plenitude e de unidade, proporcionou a Michaux uma tradução poética muito próxima dos escritos dos místicos: “Partilha ao infinito./ Tudo interconectado; tudo e todos modificadores, conjuntamente. /[…] Consciência unificadora, de uma tal amplitude que faz aparecer o mundo, dito real, como uma alteração do mundo unificado /[…] Hino aberto a tudo./ Hino eu próprio. / Hino./ Vastidão havia encontrado verbo.”
Mas o melhor será mesmo ler os poemas e ver os desenhos que Henri Michaux deixou nos seus livros. E enquanto isso não acontece, ver o filme do qual escutamos a banda sonora, no site da Ubuweb: http://www.ubu.com/film/michaux_images.html.

Incursões Pelo Espaço Sideral

Numa tarde de Outubro, em 1953, quando regressava a casa depois de uma árdua jornada de trabalho na Lockheed Corporation em Loas Angeles, Orfeo Angelucci vê-se subitamente vítima de rapto por seres oriundos de um outro planeta. Sugado para o interior de um disco voador e catapultado para um lugar incerto, algures no espaço sideral, a milhares de kilómetros da Terra, Orfeo ouve uma voz que o incitava a chorar pelos pecados da humanidade, seguindo-se um zumbido e uma vibração rítmica que nele induziu um estado semi-onírico. A sala onde se encontrava torna-se escura e notas musicais são vertidas através das paredes, tomando a forma de uma melodia evocativa de visões de planetas e galáxias em movimento harmonioso.

Hubble Ultra Deep Field

O estranho rapto de Orfeo inscreve-se num lugar comum dos anos 1950, analisado em profundidade pelo psicanalista Carl Jung na obra de 1959, "Flying Saucers: A Modern Myth of Things Seen in the Skies": a abducção involuntária e iluminação subsequente de terráqueos por visitantes alienígenas. Mas o caso de Orfeo detinha uma outra particularidade, a associação desta experiência à audição de sons organizados, cuja ênfase na harmonia recapitula a música das esferas de Platão, de um Cosmos em revolução incessante, cujos movimentos se traduzem numa composição musical estruturada e significativa.

Em 1967, o astronauta e cientista Story Musgrave relatava que, na sua última missão ao espaço, havia escutado uma música misteriosa, nobre e magnificiente, mas os seus colegas de viagem não corroboraram esta história, condenando Musgrave a olhares furtivos e comentários jocosos que ecoavam nos corredores da NASA.

Música e Cosmos encontram-se desde sempre interconectados, mas durante os anos 1950, pelos condicionamentos históricos da corrida ao espaço e da Guerra Fria, a par com o desenvolvimento de novas tecnologias estereofónicas e de gravação de som, acabaram por ser profícuos em registos discográficos que procuravam mimetizar a ambiência do grande infinito.

Neste contexto, um elemento do restrito e elitista grupo que clamava estar ou ter estado em contacto com formas de vida extraterrestre, dotado de um sentido comercial mais apurado que os seus pares, resolveu traduzir as suas experiências num livro intitulado "From Outer Space To You", mas mais relevante, ocorreu-lhe sulcar os trilhos do vinil, replicando a música que ouviu de um estranho piano, adornado por caracteres bizarros e tocado por um indivíduo natural de Saturno, no álbum "Authentic Music From Another Planet". Howard Menger gravou assim o seu nome na história da música contemporânea, através de singelas composições para piano, flutuantes e desfocadas, cujo elevado grau de reverberação a elas imprimido, conferia-lhes a dimensão extraterrestrial almejada. Para além destes aspectos formais, era igualmente veiculada uma mensagem de iluminação, uma promessa de alteração da consciência global aos ouvintes do disco.

"Eye of God" (Helix Nebula)

O sentido e a tónica colocada na espacialização da space music é o motivo pelo qual o crítico David Hurwitz considera "The Creation", peça de 1798 de Joseph Haydn, como um dos primeiros exemplos deste género, patente nos rasgos de violino a simularem o fulgurante movimento do caos primordial. Não será de estranhar que esta composição surge no seguimento de uma conversa entre Haydn e William Herschel, astrónomo que descobriu o planeta Urano, sobre a relação entre música e astronomia. Estavam lançadas as sementes para um diálogo incessante entre estes dois campos, o qual atingiu o seu apogeu nas décadas de 1940 e 1950, no multifacetado terreno do easy-listening. Mas isso será matéria para uma outra emissão do Laboratório Chimico.

Playlist, 18 de Fevereiro de 2010:

Steve Roach - "Between The Gray And The Purple" (The Magnificient Void)
Steve Roach - "Void Memory One" (The Magnificient Void)
Howard Menger & Coil - "Saturn Suite"
Howard Menger - "Marla" (Authentic Music From Another Planet)
Howard Menger - "A Theme From Saturn" (Authentic Music From Another Planet)
Howard Menger - "The Song From Saturn" (Authentic Music From Another Planet)
Joseph Haydn - "Einleitung Und Die Vorstellung Des Chaos" (The Creation)

Para além do rock progressivo

Quando falamos de psicadelismo em Itália não falamos apenas de rock progressivo e das suas inúmeras variantes que ali encontraram fértil terreno para se desenvolverem. O país em apreço na edição de 4 de Fevereiro de 2010 do Laboratório Chimico é sinónimo de bandas sonoras de qualidade, particularmente durante os anos 1970 quando os compositores italianos mesclaram psicadelismo com easy-listening, criando um híbrido cuja complexidade procurámos descortinar. Dos nomes mais conhecidos, como Ennio Morricone ou Nino Rota, passando pelos mais obscuros, esta foi a banda sonora escolhida:

Ennio Morricone - "1970" (Ennio Morricone High: The Trippier Side Of The Morricone Genius)
Ennio Morricone - "Mosche di Velluto Grigio" (Psichedelico Jazzistico)
Ennio Morricone - "Plume di Cristallo" (Psichedelico Jazzistico)
Ennio Morricone - "Queimada Seconda" (Delirium Of The Senses: Psychedelia In Italian Cinema)
Nino Rota - "The Awards" (Delirium Of The Senses: Psychedelia In Italian Cinema)
Nino Rota - "Ecclesiastical Fashion Show (Part 1)" (LSD Roma)
Piero Umiliani - "Mah Nà Mah Nà" (Piero's Pleasure: The Touch Of Piero Umiliani)
Piero Umiliani - "L'Archangelo (Suite)" (Piero's Pleasure: The Touch Of Piero Umiliani)
Franco Micalizzi - "M16" (Adolescenza Perversa)
Franco Godi - "Signor Rossi Intro" (Signor Rossi)
Franco Godi - "Parapapa Perepepe" (Signor Rossi)
Piero Piccioni - "Give Love a Chance" (Delirium Of The Senses: Psychedelia In Italian Cinema)
Berto Pisano - "High Altar" (Delirium Of The Senses: Psychedelia In Italian Cinema)
Armando Trovajoli - "Il Filo Dei Giorni"

Os limites do controlo

"When I was 20 I used to spent a lot of time when I first was in New York smoking herb and then playing Fletcher Hendersen and Sidney Bechet records, and then watching out the window how the world would sync to the music, in hilariously perfect ways. You know, it was just a stoner thing, but it was endless amusement to see how a little accent on a high hat would be with some motion of somebody, every little thing synched to something, it was fantastic". Estas palavras , retiradas de uma entrevista de Jim Jarmusch à revista Wire, aplicam-se na perfeição à experiência espectadora de Os Limites do Controlo, o mais recente filme do cineasta e músico norte-americano, e cuja banda-sonora foi o mote para o Laboratorio Chimico da noite de 11 de Fevereiro de 2010.

Ávido consumidor de música, Jim Jarmusch recorre aos seus discos para imaginar mundos e paisagens visuais que depois tenta concretizar nos seus filmes. O próprio teve um papel activo na cena No-Wave nova-iorquina ao integrar os The Del Bizanteens, quando dava os primeiros passos como cineasta independente. Parte da inspiração drone-rock que domina o universo sonoro de Os Limites do Controlo pode ser brevemente vislumbrados já em Flores Quebradas, filme de 2005, que contou na banda-sonora com Dopesmoker, controverso tema dos Sleep, actualmente extintos mas bifurcados nos OM e High on Fire.

Durante o programa trilharam-se caminhos dispersos pelo rock insuflado a drones de Boris, Michio Kurihara, ou Earth, metaforizando a suspensão temporal da narrativa labiríntica do filme, que acompanha a contemplação visual da arquitectura cosmopolita de Madrid, a atmosfera colonial e abafada de Sevilha, ou o deserto de Almeria, tudo isto em toada arrastada, narcótica, quase suporífera, de quando em quando permeada pelo rock negro, também em câmara-lenta, de Black Angels e Bad Rabbit, o trio musical que Jarmusch integra, criado propositadamente para a recriação musical do filme.

Igor Wakhévitch & Salvador Dali – "Être Dieu" (1974)

Numa tarde de 1927, no Café Regina Victoria, em Madrid, Salvador Dali e o seu amigo Federico Garcia Lorca começaram a escrever o libretto para a maior ópera de todos os tempos e que, como não poderia deixar de ser, oriunda do génio hipertrofiado de Dali, deveria exprimir a magnificência apoteótica do gesto da criação. No entanto, só em 1974 o pintor recuperou a ideia para realizar a sua ópera-poema em seis partes, encomendando ao escritor espanhol Manuel Vasquez Montalban um libretto que deveria ser redigido segundo as suas especificações e atribuindo a Igor Wakhévitch a responsabilidade pela composição musical. Durante a gravação nos estúdios da EMI, o caprichoso Dali resolveu improvisar e não respeitar o que havia sido escrito por Montalban, pois "Dali nunca se repete", argumentava ele, reforçando a originalidade e irrepetitibilidade do acto criador, aliás o tema que estava precisamente em causa nesta ópera ou opus magnum.

Igor Wakhévitch é um compositor francês de origem ucraniana, cujo talento foi desde muito cedo reconhecido não só pelos seus professores, entre os quais Olivier Messiaen, como pelos prémios que ganhou desde a adolescência. Trabalhou no final dos anos 60 com Pierre Schaeffer e Pierre Henry nos estúdios do GRM onde explorou as possibilidades da música concreta. Tal como Henry, criou música para os bailados de Maurice Béjart com quem colaborou numa atmosfera que favoreceu a inclusão da cultura musical psicadélica. Este percurso rico e variado fez com que os seus álbums dos anos 70 exprimissem uma transversalidade de interesses, desde a composição clássica mais tradicional para orquestra até à exploração mais vanguardista da electrónica. A singularidade e qualidade de qualquer das suas obras – Logos (1970), Docteur Faust (1971), Hathor (1974), entre outras – seria suficiente para que merecesse a sua inclusão nestas crónicas. Mas o disco que foi seleccionado para hoje, "Être Dieu", um triplo álbum resultante da colaboração entre o compositor francês e Salvador Dali, o pintor catalão que dispensa apresentações, constitui uma das peças mais delirantes jamais editadas pela EMI. Ser Deus manifesta uma intuição alucinada mas paranóico-crítica dos dados imediatos da inconsciência.

Être Dieu: opéra-poème, audiovisuel et cathare en six parties conta então a história da criação do mundo, no delírio paranóico-crítico de Salvador Dali em que o pintor é o próprio Deus, Brigitte Bardot é uma alcachofra, onde Catarina-a-Grande e Marilyn Monroe fazem um strip tease, mas onde não falta a revolução francesa, os irmãos Max, Mao Tsé Tung, o secretário-geral das Nações Unidas, Gilles de Rais e Joana D'Arc, num desfile paródico dos mitos e obsessões do pintor, do qual este só poderia ser resgatado pelo amor professado à sua esposa e musa inspiradora, Galà. A composição épica de Wakhévitch equilibra magistralmente as experiências psicadélicas e electro-acústicas com a manipulação de fita magnética e a interpretação da Orquestra Sinfónica de Paris, dirigida por Boris de Vinogradow. Delphine Seyrig, actriz conhecida dos filmes de Luís Buñuel, empresta a voz, com Alain Cuny, Catherine Allegret e Raymond Gerôme, a algumas personagens, ao lado da verborreica e quase omnipresente improvisação do excêntrico pintor. Apesar da grandiosidade desta produção, a obra tem estado coberta de uma grande obscuridade à qual não será alheia a sua inacessibilidade, quer pela raridade da sua edição quer pelo preço astronómico dos originais. "...Triste risque que d'être plus que personne..: être dieu." Na impossibilidade de escutar a integralidade da ópera, ouvimos um excerto da abertura. E em fundo escutava-se Le Rêve Passe.

Inner Space

Antes de serem os Can (e mesmo The Can) foram Inner Space. Isto depois de cada um dos elementos da formação inicial do dito grupo (Irmin Schmidt, Holger Czuckay, Jaki Liebezeit, David Johnston, Mikael Karoli e depois, esporadicamente, Malcom Mooney) ter tido experiências musicais e artísticas diversas, desde a composição de bandas-sonoras para peças de teatro e documentários, até à escultura, passando pelo jazz ou por grupos blues-rock mais convencionais, ou pelos corredores do ensino musical académico, ou ainda assistindo Karlheinz Stockhausen na produção de algumas peças do referido compositor - e aqui a ordem apresentada não condiz necessariamente com os nomes anteriormente referidos. Algures em 1968 este grupo de indivíduos entreteve-se a compor temas para alguns filmes de série B germânicos, parte deles incluídos em álbuns como Soundtracks ou Delay 1968 (dos Can), em grande medida materializando o fascínio de Irmin Schmidt pela criação de música para cinema - assunto que de resto o senhor retomaria mais tarde na sua discografia, já depois da desintegração dos Can. Por essa altura foram editados dois 7'' com os temas mais emblemáticos das películas, as canções, como se de trailers se tratassem - Agilok & Blubbo / Kamera Song, lançado pela Deutch Vague, e Kamasutra / I'm Hiding My Nightingale, na Metronome. Acontece que em 2009 foram editados dois álbuns creditados ao grupo que o Laboratorio Chimico de 28 de Janeiro de 2010 destacou, compostos por temas da banda-sonora completa de dois filmes, ambos de 1969, Agilok & Blubbo (Wah Wha Records) e Kamasutra: Vollendung der Liebe (Crippled Dick Hot Wax) - neste, com Schmidt a receber louros de creditação -, realizados, respecivamente, por Peter Schneider e Kobi Jaeger.

Estes discos reflectem bem o contexto musical da época, e concretamente as infinitas possibilidades que a relação simbiótica entre entusiastas realizadores independentes e grupos de música experimental proporcionavam e que estes encetaram amiúde. Este contexto potenciava a que narrativas cinematográficas oscilantes e socialmente atentas face a temas emergentes - neste caso, a contemplação erótica-sexual e a sátira político-revolucionária - se cruzassem com a ânsia exploratória de muitos grupos musicais, que por entre fumos e sonhos de liberdade davam largas à criação e contribuiam para que caleidoscópios sinestésicos invadissem ouvintes e espectadores. Parte do interesse das referidas edições reside também no conhecimento do período pré-Can e dos tempos anunciadores do rock alemão que daí a pouco eclodiria para a posteridade como um novo ano zero (?!). Se os trabalhos anteriores de Holger Czuckay no projecto Canaxis denunciavam a curiosidade pelas emergentes possibilidades do estúdio, estes discos mostram-nos que outras idiossincrasias da sonoridade do grupo já por aqui se anunciavam e que o mítico estúdio em Colónia que a banda baptizou de Inner Space não deve o epíteto somente à proclamação da introspecção criativa para a regurgitação de pedras preciosas.

Ouvir.

Todd Schorr (Lowbrow Dreamland)

Preocupado com um mundo onde o perigo espreita a todo o momento, um Humpty-Dumpty ciclópico e coroado pondera, à beira de uma falésia, sobre a fragilidade e beleza da vida, contemplando uma estrela-do-mar espraiada na palma da sua mão. Por detrás, uma nuvem em forma de cogumelo atómico ameaça distante e silenciosa uma paisagem natural sublime. “Antidote for a worrysome world” é o título desta pintura em acrílico sobre painel do artista norte-americano Todd Schorr. As cores vivas e as formas pneumáticas do personagem convocam o universo fílmico de Walt Disney, mas o dilema existencial desse ovo de um só olho, colocado perante o abismo, ressoa a angústia daquele príncipe da Dinamarca, na peça de Shakespeare, que hesita com a caveira do seu bobo – Yorick - na palma da mão. Num outro quadro – “The Spectre of Monster Appeal” -, uma criança minúscula é exposta, à entrada de uma feira popular, com uma pletórica confusão de monstros, figuras fantásticas dos filmes de terror, criaturas de revistas de ficção-científica, desenhos animados deformados pelo vigor e ritmo das cores e traços do artista que retrata, de modo auto-afectivo, a vida ígnea e borbulhante da sua própria imaginação, atormentada desde muito cedo pelas imagens projectadas pelo ávido consumo de televisão, cinema e banda-desenhada. Numa outra tela - The Clash of Holidays -, que gerou alguma polémica nos meios mais tradicionais de uma comunidade de Palm Beach, no sul da Flórida, Schorr representa os ícones das festas tradicionais, o Pai Natal e o Coelho da Páscoa degladiando-se ferozmente, com um punhal e um machado ensanguentados nas suas mãos, enquanto o Menino Jesus, coroado de espinhos, se lambuza com uma orelha de chocolate e Rudolph, a rena natalícia de nariz vermelho, contempla despreocupadamente o combate.



A arte de Todd Schorr explora, portanto, a violência latente e por vezes patente da cultura popular, veiculada pelos media, sobretudo a que tem a ver com as imagens injectadas nos mais jovens e adolescentes, recontextualizando-a em cenários hiper-realistas e com óbvias referências à matriz judaico-cristã dessa mesma cultura. Neste sentido, trata-se quase de um trabalho de exorcismo e interpretação psicanalítica das dinâmicas do desejo que perpassam a cultura de massas. Este tipo de arte tem sido enquadrado num movimento artístico que recebeu o nome de Lowbrow ou Pop Surrealism. Na verdade, a Lowbrow art é precisamente aquela que se opõe à Highbrow art, ou seja, às belas artes, as mais conceituadas, as que são filtradas por um discurso de legitimação crítico e intelectualizado que a faz circular no mundo dos museus e da história da arte. Mas desde finais dos anos 70 que um grupo de artistas em Los Angeles, nomeadamente Robert Williams e Gary Panter, oriundos da cultura dos fanzines e banda desenhada underground, da cultura punk e de outras subculturas de rua, decidiram expor e promover uma arte mais popular e espontânea, afastada do discurso académico mas mais próxima do gosto dos consumidores. Outros artistas como Mark Ryden, Joe Coleman, Manuel Ocampo e Todd Schorr juntaram-se, de certo modo, a este movimento e têm vindo a ganhar uma maior visibilidade até que, por exemplo, no ano passado, o Museu de Arte San José, na Califórnia, organizou a primeira exposição individual do artista que veio da costa este mas que se estabilizou, desde finais de 90, no sul da Califórnia, onde vive e trabalha.



O psicadelismo das imagens de Schorr terá como origem a influência, reivindicada pelo próprio, dos posters de concertos e festivais de finais dos anos 60, executados por Victor Moscoso ou Rick Griffin, e das bandas desenhadas da revista Zap. Mas a referência à contra-cultura do oeste dos EUA é por exemplo óbvia em “Into the Valley of Finks and Weirdos” de 2002, onde aparecem monstros surfistas ou beatnicks tocadores de flauta navegando globos oculares alados. Porém, ainda que não houvesse estas referências biográficas e culturais à época dos ácidos, seria evidente para quem vê a natureza hipertrofiada das imagens fantásticas e metamórficas de Todd Schorr que há um efeito de manifestação lúcida da atormentada mente do autor, de tal modo que a tela é como que um doloroso e vibrante ecrã – pela sua intensidade - entre a meninge e o interior ósseo do seu crânio.
Como banda sonora para a experiência visual dos quadros de Schorr nada parece mais adequado do que a música de Carl Stalling, o famoso compositor dos desenhos animados da Warner Brothers.
Para mais informações sobre a vida e obra de Todd Schorr, ver aqui.
Sobre outros artistas Lowbrow e a cultura circundante, aqui.

Gulliver’s Travels (1969)

A metáfora da viagem é uma das mais comuns nos relatos de experiências com psicotrópicos. De facto, tais experiências são frequentemente apresentadas como percursos de descoberta em que o sujeito se encontra imerso numa percepção alterada da realidade, com uma determinada duração, alargada num tempo estesiológico, e se sente exposto aos perigos de uma transformação interior. Esta leitura da experiência psicadélica como viagem – “trip” - informou uma parte importante da expressão contra-cultural dos anos 60. Em1969, Andrew Loog Oldham, o famoso produtor dos Rolling Stones, fez uma adaptação discográfica das “Viagens de Gulliver”, inspirada por uma encenação londrina do clássico de Jonathan Swift, com Mike d’Abo, o vocalista dos Manfred Mann, no papel principal.


Na verdade, a novela de Swift era uma simples paródia dos “contos de viagens” que abundavam no início do século XVIII e uma sátira da sociedade inglesa da época. Que se saiba, o diácono de St. Patrick não teria por hábito consumir substâncias alucinogéneas, no entanto, delas não parecia necessitar alguém com uma tão fértil imaginação e tão apurado sarcasmo. Com efeito, as situações – a que impropriamente e com o risco de anacronismo poderíamos chamar – surrealistas, em que Lemuel Gulliver – o personagem e pseudónimo do autor das viagens – se encontra, quando se revela um gigante na ilha de Lilliput, ou uma miniatura perante os habitantes de Brobdingnag, ou ainda quando discute sobre os defeitos da natureza humana com os Houyhnhnms, equídeos de inteligência superior, são meras representações hiperbólicas das desproporções do homem e da sociedade, mas que convocam, de facto, uma experiência de pensamento, da imaginação, que exige a transformação da percepção quotidiana do mundo para descobrir o sentido das alegorias e metáforas. Nessa medida, a experiência da leitura das famigeradas viagens apelam a uma autêntica visão, manifestação psicotrópica. Não é pois de espantar que mais de duzentos anos depois elas continuassem a inspirar a imaginação colectiva de uma geração aberta a esse tipo de experiências, com ou sem as substâncias transdutoras das energias da mente.


O disco que escutamos já em fundo e que continuaremos a escutar mais um pouco é uma espécie de aberração discográfica, um produto circunstancial da sua época, mas também uma visão de futuro. Como já se disse, Gulliver’s Travels seria a adaptação para disco de um musical feito em Dezembro de 1968 em Londres, a partir das Viagens de Gulliver, mas quem não souber previamente desse facto, apenas episodicamente e com uma atenção redobrada poderá pensar no universo liliputiano ou na ilha voadora de Laputa, já que o disco é constituído por uma colagem cuja lógica desafia a sobriedade do ouvinte. Trata-se de samples – e nisto é que o disco é antecipador, pois inadvertidamente faz um uso extensivo das técnicas de samplagem e mix – com excertos de The Loving Spoonful, The Small Faces, do natalício “silent night” (oi?!?!), entre samples de vaudeville, do jingle introdutório da Twentieth Century Fox entre outros sons não identificados, misturados com os efeitos de estúdio exigidos pela cultura lisérgica e entrecortado pelo “hit”, “See the little people”, interpretado pela estrela da peça, o leadsinger Mike d’Abo. Imaginemo-nos, por momentos, na ilha onde todos tinham desenvolvido dotes especulativos e acusmáticos e flutuemos com eles ao som bizarro deste disco, antes de regressar à nossa terra natal, no barco do surpreendentemente sábio e generoso Yahoo português, Pedro de Mendez. Enjoy!

The Top 10 Syd Barrett Songs (in no particular order)

No dia 21 de Janeiro de 2010, o Laboratório Chimico apropriou-se de uma lista incluída na publicação Galactic Zoo Dossier para dar conta do difícil empreendimento que consiste em abordar a obra e a vida de Syd Barrett.

1. Lucifer Sam (1967) ...retirado de "Pink Floyd - The Piper At The Gates of Dawn"
2. Vegetable Man (1968) ...retirado de "Pink Floyd - Total Eclipse"
3. Rats (1970) ...retirado de "Syd Barrett - Opel"
4. Candy and a Currant Burn (1967) ...retirado de "Pink Floyd - The Early Singles"
5. Singing a Song In The Morning (1969) ...retirado de "Kevin Ayers - The Best Of..."
6. Interstellar Overdrive (1966) ...retirado de "Pink Floyd - The Piper At The Gates Of Dawn"
7. Jugband Blues (1968) ...retirado de "Pink Floyd - A Saucerful Of Secrets"
8. Apples and Oranges (1967) ...retirado de "Pink Floyd - The Early Singles"
9. Lanky Pt. 1 (1970) ...retirado de "Syd Barrett - Opel"
10. No Man's Land (1970) ...retirado de "Syd Barrett - The Madcap Laughs"

Download da fanzine Terrapin, uma publicação dos anos 1970 inteiramente dedicada a Syd Barrett.

Os Arquivos de Syd Barrett, site que contém artigos, fotografias, histórias, letras e muito mais.

Psicadelismo global compilado

Emissão dedicada a estabelecer um diálogo entre duas compilações recentemente editadas, e que passam em revista facetas distintas da música psicadélica: Forge Your Chains: Heavy Psychedelic Ballads and Dirges 1968-1974 (Now Again Records), e Psych Funk 101: A Global Psychedelic Funk Curriculum (World Psychedelic Classics). Sob premissas diferentes, estas duas edições ilustram um retrato universal da experiência psicadélica, incluindo temas provenientes dos quatro cantos do globo. Desde as paisagens mais contemplativas e evocativas de estados de alma melancólicos de Forge Your Own Chains, até ao êxtase funkie a transbordar de groove de Psych Funk 101, tudo vale para divulgar rock, soul, jazz e funk de países como os EUA, Alemanha, Nigéria, Irão, Turquia, Rússia, Egipto, Colômbia, Coreia do Sul, Tailândia, Suécia ou Etiópia.

Playlist de 7 de Janeiro de 2010:

Husnu Ozkartal Orkestrasi - Su Derenin Sulari (Psych Funk 101)

Mulatu Astatke feat. Belaynesh Wubante and Assegedetch Asfaw - Alemiye

Petalouda - What You Can Do With Your Life

Ofege - It's Not Easy (Forge Your Own Chains)

D. R. Hooker - Forge Your Own Chains

The Group - The Feed-Back (Psych Funk 101)

Damon - Don't You Feel Me (Forge Your Own Chains)

Staff Carpenborg and the Electric Corona - All Me Should Be Brothers of Ludwig (Psych Funk 101)

Baby Grandmothers - Somebody's Calling My Name (Forge Your Chains)

Top Drawer - Song of a Sinner

Sin Jung Hyun & The Men / featuring Jang Hyun - Twilight

Ouvir.

Acid Soul

O Laboratorio Chimico de 17 de Dezembro foi dedicado à soul psicadélica. Se é verdade que no imaginário da música popular a soul music repousa aparentemente resguardada dos devaneios psicotrópicos de outros congéneres, não é menos verdade que paralelismos com o psicadelismo podem ser vislumbrados, na busca encetada por ambos rumo à transcendência, libertação, ou simplesmente, a uma atitude escapista.
A utilização de electrónica no contexto da popularização, na década de 60, do acesso a técnicas de manipulação de estúdio e a material inovador - os sintetizadores Moog, por exemplo - foi um dos aspectos presentes na génese da soul psicadélica. Particularmente, a fusão do vocabulário do rock psicadélico - feedback, a electricidade do fuzz, reverb e wha-wha das guitarras, e os teclados - com a contemplação humanista e celebratória da soul, em muitos casos já com uma aguçada capacidade de imersão nas consciências quimicamente alteradas da segunda metade da década de 60, terá sido o que de forma mais clara possibilitou o cunho psicadélico da soul. Grupos como Sly & The Family Stone ou The Parliaments / Parliament (mais tarde os Funkadelic) terão sido alguns dos mais ilustres representantes da soul que provou e abusou de poções lisérgicas emanadas de guitarras, ambos apropriadamente adornados de exuberantes vestimentas.
Mas o catalisador deste movimento terá sido um tal de James Hendrix, que chamou a atenção de Ronald Isley (líder dos The Isley Brothers) enquanto explorava a sua guitarra num bar de hotel, no Harlem. Ao integrar Hendrix no grupo, os The Isley Brothers conceberam a soul music insuflada de electricidade flamejante da guitarra amplificada a fumo de marijuana.
Tal filão foi vislumbrado pelo lendário produtor/compositor da Motown, Norman Whitfield, que escutou o futuro nos delírios de Sly Stone e de George Clinton. Whitfield adoptou e reconfigurou as coordenadas das sinergias da soul e do rock psicadélico em muitos dos seus trabalhos de produção (casos de The Tempations, The Debonaires ou Rare Earth), dando contributo decisivo para que a paleta sonora da soul music se expandisse até territórios até então nunca antes trilhados. Um outro exemplo visionário foi o de Charles Stepney, que produziu o disco inaugural dos Rotary Connection, no qual, valendo-se da sua educação musical formal e do gosto pelas composições de Georgy Ligeti e Henry Cowell, criou intrincadas camadas de uma produção saturada com laivos de atonalidade, arranjos pouco convencionais e uma cítara electrificada, que forneceram, também, o substrato psicadélico para a expansão da alma.

Durante o programa escutou-se:
Swamp Dogg - Synthetic World (Total Destruction to Your Mind)
The Isley Brothers - Move Over and Let Me Dance (In The Begining)
The Isley Brothers - Wild Little Tiger (In The Begining)
Sly & The Family Stone - Dance to the Music (Dance to the Music)
The Parliaments - (I Wanna) Testify (7")
The Parliaments - Red Hor Mamma (Osmium)
The Tempations - Psychedelic Shack (Psychedelic Soul)
The Debonaires - I Want To Talk About It (World) (7")
Rotary Connection - Turn Me On (Rotary Connection)
Rotary Connection - Memory Band - (Rotary Connection)
Rasputin Stash - Hit it and Pass it (Devil Made Me Do It)
Rare Earth - I Know I'm Lossing You (7")
Barbara & Ernie - Somebody to Love (Prelude to...)

Ouvir.